mercoledì 20 luglio 2016

LA SCRITTURA PERFORMATIVA: corso di scrittura creativa per i ragazzi con il supporto del teatro



Il corso viene proposto dall’istituto comprensivo “Verjus” di Oleggio ad alunni dalla Quinta Elementare alla Seconda Media. Si svolge in orario extrascolastico e si mette in concorrenza con altre attività più ambite dalla maggioranza: sport, musica, danza…
L’ultima edizione de “Il Mangialibri” ha tuttavia portato alla luce un bacino di utenza di lettura e scrittura che purtroppo non ha altrettanta visibilità, dato che l’eccellenza dei praticanti viene premiata solo con i voti scolastici. I ragazzi che leggono e che scrivono hanno diritto, come i coetanei impegnati in altre attività, a farsi conoscere e a portare le loro performance di fronte a un pubblico.
Ciò non significa che il corso intenda praticare la via usata e abusata del successo; non si stimola a una competizione, ma a un confronto; non si promette la popolarità, ma una migliore comunicazione con se stessi e con il mondo.

Il corso non si struttura come un clone del curricolo, ma si pone in continuità con la didattica senza riproporla, praticando vie nuove di sviluppo delle abilità.
Esso non prevede solo un apprendimento linguistico, ma un utilizzo personale e originale della lingua che apra nuovi orizzonti di conoscenza di sé e degli altri, di sé nel mondo e di sé come specchio del mondo.
Si delinea, quindi, più che un programma, un itinerario complesso che prevede strade diverse per giungere alla méta.

I percorsi riguardano:

a)      la conoscenza tecnica dello strumento linguistico
b)      la consapevolezza delle motivazioni, degli interessi e degli obiettivi inerenti alla scrittura
c)      la scoperta che la scrittura è invece “le scritture”: generi, stili, utilizzi…
d)      a ogni scritto corrisponde una lettura interiore: come leggo ciò che scrivo? il problema della visualizzazione e della partecipazione emotiva: la scrittura performativa

Il corso non ha certo la pretesa di essere esauriente, prefiggendosi solo una riflessione ampia e approfondita sulla lettura e sulla scrittura come mezzi di comunicazione con l’esterno, preceduta da una rete interiore tra conoscenze acquisite, automatismi, stereotipi, stimoli inconsci e livelli consci della personalità.
Ogni scrittura è scrittura di sé e richiede una lettura consapevole, che diventa quindi lettura di sé.

Esaminiamo punto per punto il percorso.

a)      L’apprendimento avviene sugli elaborati degli allievi, letti e discussi. L’animatore ne trae gli spunti per affrontare questioni tecniche come la correttezza ortografica, la punteggiatura, la sintassi, lo stile, le ripetizioni, la terminologia imprecisa, i sinonimi, l’efficacia descrittiva ed espressiva…

b)      Perché alcuni non leggono nemmeno un libro in tutta la vita e non scrivono mai, mentre altri leggono con regolarità e amano scrivere cose diverse? Dietro la lettura e la scrittura c’è l’universo nella sua forma fisica, nella sua storia, nei suoi misteri; è la conoscenza la molla che spinge a leggere e scrivere? O è un bisogno di comunicazione? Molti scrittori, però, erano misantropi, pur essendo bravissimi comunicatori. Leggere e scrivere è “divertente”? Ma… che cosa leggere e scrivere? E per che cosa? La fatica della scrittura viene ripagata?


c)      Storicamente, possiamo dire che la prima distinzione all’interno della scrittura è stata tra prosa e poesia, stimolata dalla musica: il racconto mitico e il canto sacro; dalla loro fusione è nato il teatro in forma di tragedia; e via via si sono distinti i generi: romanzesco, sentimentale, giallo e nero, comico, drammatico… Ma la poesia comprende anche le filastrocche? E gli slogan pubblicitari in rima? E pure all’interno della poesia ci sono “generi”? Se considero un genere, per esempio, quello romanzesco, posso dire che gli scrittori che l’hanno utilizzato si assomigliano? In che cosa consiste lo stile? Insomma, innumerevoli “tipi” di scrittura. Come li utilizzo? Si parla di haiku e metrica, poesia contemporanea e classica, filastrocca e rima, racconto breve sia realistico sia fantastico.

d)      Per molti ragazzi il problema della lettura e della scrittura è che sono rappresentate da parole la cui potenza si esaurisce in un segno tutto esteriore, privo di riflessi sull’interiorità. Essi leggono e danno alle parole solo un senso logico, senza alimentare l’immaginazione che è come assopita. Scrivono e la loro scrittura è superficiale, non graffia la vernice della realtà per scovare i colori sottostanti. Alcuni sono disorientati, altri indifferenti, ma ci sono anche quelli che provano inquietudine di fronte a un libro o a una pagina vuota. Non vogliono cadere nella trappola: non vogliono portare alla luce le emozioni.

È a questo punto che il teatro viene utilizzato per aiutare l’allievo a mettere a fuoco l’ambientazione della prosa o della poesia che intende scrivere o che sta scrivendo, la dinamica degli avvenimenti con le relative questioni del montaggio delle scene, la corrispondenza lessicale e sintattica con le emozioni che devono essere identificate e valutate.
Brevi performance per oggettivare la scrittura in fieri e triangolare parola-autore-realtà, in modo da orientare l’allievo fornendogli un metodo consapevole.
L’ambiente circostante viene ricostruito con l’immaginazione, l’attenzione viene richiamata sui dettagli, le motivazioni dei personaggi sono analizzate, così come le azioni e le reazioni, le osservazioni del gruppo contribuiscono a ricreare il quadro complessivo entro il quale selezionare i punti salienti. L’espressione letteraria viene così a coincidere con l’analisi d’insieme e la sintesi ritenuta più efficace.

Percorso operativo

-          elaborazione di haiku: la metrica, la rima, l’immagine di sintesi
-          tecniche varie di poesia casuale
-          il dialogo: i tempi di un’opera teatrale
-          il racconto breve: l’intensità della parola e della frase










martedì 12 luglio 2016

LA MEDEA, PROGETTO DI MESSA IN SCENA CON I RAGAZZI


La recente rappresentazione di “Le Baccanti” di Euripide con sedici ragazzi dai dieci ai tredici anni mi ha convinto della possibilità e dell’efficacia di continuare su questa strada. Un’altra tragedia greca, quindi, che affascini e stimoli alle domande e alla riflessione. L’autore? Euripide, non ho dubbi. L’opera? Medea. Ma perché Medea? Le tematiche proposte sono quanto mai attuali.
Medea è una donna di successo: bella, figlia di un re, discendente del dio Sole, dotata di una sapienza che sconfina nella magia. Nata per mediare tra natura e civiltà, razionalismo e potenze ultraterrene e sotterranee, all’improvviso scombina ogni gioco, mettendo a rischio certezze e sicurezze. La crisi è determinata da Afrodite, che colpisce senza pietà, rendendola succube dell’eroe greco sbarcato nella Colchide.
Il buonsenso le dice di sottrarsi a un amore senza futuro, ma come può una maga chinare il capo di fronte alle leggi umane? Sfida anche quelle divine, ponendo la passione davanti a tutto.
In una società in evoluzione, sempre più dominata dai viaggi di conquista e dalla fama eroica, che pone le basi per un disastro totale che aprirà alla democrazia e al colonialismo non solo commerciale, ma anche culturale, Medea è una Dea Madre che vede restringersi il proprio ambito e profilarsi una dominazione maschile che dura tuttora.
Sfida il re suo padre, causa la morte del fratello, tradisce le proprie origini per affidarsi a una società diversa che non la ospiterà come si illude, se non in un ruolo subalterno. Esasperata, riscopre energie assopite, vede nello specchio la propria immagine alla Dorian Gray, vede se stessa come Mr Hide, la sua natura ctonia emerge e la spinge a uccidere i figli per… vendetta? ritorsione? follia? malvagità? pietà? amore?
Le problematiche sono quindi molteplici: l’impossibilità di integrazione della straniera, la diffidenza e l’odio verso la maga, il sospetto che da principessa di Ea possa diventare regina di Corinto, le difficoltà matrimoniali tra un eroe ambizioso e una semidea innamorata e delusa, la mancanza di tutela dei bambini, il conflitto irrisolto tra maschio e femmina, l’idea greca e contemporanea della donna come pericolosa se non sottomessa… e la repentinità dei cambiamenti di fortuna, la mancanza dei valori antichi nella società evoluta (hybris, xenia, timè, oikos…).

Tale ricchezza contenutistica ha consentito ad autori di tutte le epoche di elaborare ritratti letterari e drammatici di Medea diversi tra loro e perfino discordanti, piegando la malleabile figura alle esigenze storiche e sociali. Abbiamo così la Medea del cristiano Draconzio che paga cara la fede negli dei pagani, quella eroica di Corneille plasmata sui valori omerici, quella clonata da Euripide di Lodovico Dolce, la Medea di fine Ottocento di Grillparzer che conclude la trilogia del Vello d’oro, quella amorosa di Ovidio e quella sanguigna e sanguinaria di Seneca, la straniera di Alvaro, la tormentata donna sola di Klinger, e la rivoluzionaria femminista di Christa Wolf che trova la verità nei sotterranei dove è sepolta Ifinoe, la figlia del re destinata a salire sul trono e uccisa da lui; il regno si regge sulla menzogna (il maschio ha usurpato il potere della femmina), i corinzi sono razzisti e violenti e le uccidono i figli, scacciandola. Senza infine dimenticare la Callas di Pasolini, con l’eterna incompatibilità tra passato e presente, sacro e profano, altro da sé e identità.
Tante Medee, tante idee.
Che cosa farne? Una Medea mia? Un’altra Medea? No, non serve. M’interessa di più una fusione degli spunti annotati qua e là. Vengono presentati allo spettatore come indizi per mantenere viva l’indagine. Senza, però, assicurarne l’esito. Non è detto che alla fine lo spettatore abbia acquisito le certezze rassicuranti sulla realtà, ritenuta unica e conoscibile. Le verità posticce che emergono sono diverse e Medea, con le sue incoerenze (umane, come al contrario poco umana risulta la Medea a tesi di Wolf), non aiuta a dipanare la matassa intricata.

Letti tutti i testi, passo all’ideazione di un progetto che non ripeta il lavoro dell’anno scorso, quando ho semplificato la tragedia di Euripide sia nella trama sia nel linguaggio, assicurando al coro delle baccanti un ruolo centrale; un lavoro di stampo tradizionale, una rielaborazione della drammaturgia euripidea.
Anzitutto, con Medea la situazione drammatica è molto più complessa. Nelle Baccanti Dioniso è un dio ambiguo, e così va lasciato, ogni definizione lo sminuirebbe. Gli altri personaggi si mettono a fuoco senza troppe difficoltà. Le baccanti hanno dato origine a dibattiti che le hanno collegate alle Amazzoni, alle lemniadi, alle streghe e alla femministe; ma tutto appare facilmente comprensibile. Anche se, a ben vedere, nessuno ha bene chiaro in mente che cosa sia una baccante. Altre categorie di pensiero, altre società, altre religioni, altre esperienze.
Il drammaturgo la storia la vive così, come pure il mito: andandoci vicino, ma non troppo, per non perdere il contatto sia con la realtà in cui vive sia con l’universalità dei contenuti. Egli fa da ponte. O, meglio, da traghetto fra le varie isole dell’arcipelago teatro. Dall’isola di un passato remoto a quella del momento attuale all’altra del passato recente a quello nebbiosa del futuro e così via.

Medea… chi è Medea?
Questa è la prima domanda.
Wolf riprende una vox che vuole Euripide venduto ai corinzi: per una somma di denaro avrebbe riscritto la storia, inventandosi che i bambini non sono stati uccisi dai corinzi stessi, ma dalla madre.
Queste forme di denigrazione di una figura femminile non sono rare dall’antichità ai giorni nostri; seguono la scia dei tentativi incessanti del maschio di scaricare ogni colpa (da noi il punto di partenza è Eva) sulla femmina; non è la stessa Medea che afferma, parole di Euripide, che “non vi è cuore più sanguinario di una moglie offesa?”
Ma non dobbiamo sottovalutare la campagna denigratoria ai danni di Euripide, come già gli ateniesi avevano fatto con Eracle e Socrate e con tutti i personaggi o gli eroi che non si erano pienamente sottomessi alla “democrazia”.
Riassumendo, Medea è stata trattata da romanzieri, drammaturghi, musicisti e cineasti nei modi più innovativi e contrastanti, alla ricerca di una verità inabissatasi nel mito.

La Medea che intendo presentare ai ragazzi non è una figura “a tutto tondo”. Non voglio illuderli con una facile psicologia o con un tratteggio artistico arbitrario, ma fare intendere loro che se Draconzio l’ha messa in cattiva luce è stato perché lui era cristiano e voleva distruggere il paganesimo in tutti i suoi aspetti, predicando che chi segue la magia si danna l’anima e va incontro a un inferno già sulla terra. E Seneca? Anche la sua Medea è una maga spaventosa, la cui malvagità non ha limiti. Ebbene, doveva mostrare le terribili conseguenze negative dell’impresa degli Argonauti, viaggio folle contro l’ordine precostituito, offesa agli dei: la prima condanna del colonialismo irresponsabile.
Ma, sul versante opposto, anche la Wolf ha ricostruito Medea per farne un altare laico alla sacralità della donna, celebrata come sapienza antica e affettività equilibrata e ricca. Addirittura, non le fa uccidere Creusa, che si suicida. Medea la pura. E Alvaro non ha adattato la vicenda sul proprio desiderio di parlare di accoglienza, diversità e integrazione, temi che oggi sono ancora più vivi e pressanti?
Ognuno può giungere a dipingere la propria Medea, e questo senza troppo uscire dai binari imposti dal mito.
La questione fondamentale, comunque, rimane l’uccisione dei figli.
Li ha uccisi lei? Li ha uccisi per straziare Giasone e privarlo della discendenza oppure per pietà, per non lasciarli nelle mani della folla inferocita? Sono stati i corinzi, risoluti a vendicare il re e la principessa?  
Mentre mi facevo domande su domande, aggirandomi nei labirinti delle diverse versioni, mi sono sentito trasportare nella dimensione dell’investigazione.
Durante gli ultimi laboratori di scrittura con classi di scuola elementare e media ho proposto agli alunni di farsi investigatori della vicenda che avrebbero raccontato. Partendo da un incipit stimolante (tipo: un ragazzo raggiunge la stazione di corsa controllando di non essere inseguito), li ho invitati a investigare sul lessico. Stazione, ma che tipo di stazione? Inseguito, che tipo di inseguimento? E poi sulle motivazioni di ogni azione, rivolgendosi in continuazione le domande perché? come?. Insomma, un percorso a piccole tappe, fondato sulla originalità delle opzioni e su una scelta consapevole, per giungere a uno sviluppo soddisfacente e coerente.
L’investigatore, dicevo, definisce e cerca indizi, risale nel tempo alla ricerca di fatti scatenanti, incontri, esperienze significative…
Mi sono detto: il punto culminante di una tragedia su Medea non è quello d’arrivo, il suo trionfo o la sua dannazione dopo la morte dei figli; ma l’itinerario al contrario che ci guida verso la comprensione di ciò che appare disumano e inaccettabile.
Ecco quindi la strategia: ribaltare lo schema drammaturgico, cominciando dalla fine e finendo con l’inizio.
Una follia, in apparenza. Avendo, tuttavia, a disposizione tre narratori-mediatori il cui compito è di orientare il pubblico…
Ma quale schema? Non ho avuto dubbi, quello di Euripide: prologo, parodo, cinque stasimi e cinque episodi, esodo. Il mio sarebbe quindi stato: esodo, episodi e stasimi, parodo e prologo.

Il ritorno al passato e l’andare a ritroso verso la sorgente sono strategie che ricorrono in ambiti assodati: l’ipnosi, la psicanalisi, le discipline storiche, la genealogia, gli andirivieni dal logos al mito e viceversa…
L’indagine storica non sempre ci porta a risposte esaurienti, ma mette in rilievo la necessità di farsi delle domande anche dove la situazione appare chiara e definitiva. Il processo cognitivo serve a mettere in crisi le verità acquisite, a riformulare una realtà solo in apparenza veritiera, a scoprire nuovi aspetti in sistemi complessi che si scoprono aperti a nuove possibilità.
Come affermano le teorie della complessità, analizzare Medea per se stessa non porta a grandi risultati. Le diverse versioni del mito succedutesi nei secoli formano appunto un quadro complesso, la cui non-linearità è fonte di ispirazione e di scoperte. Medea non è Medea senza l’arrivo di Giasone con il carico di grecismo che si porta dietro; e senza l’intervento di Afrodite che la fa innamorare; e senza l’educazione ricevuta in patria che si ritorce contro il re suo padre, avendo avuto una figlia divina che si pone al di sopra di tutto; e senza le reazioni popolari al suo arrivo a Corinto; e senza le dinamiche affettive tra i figli e Creusa; e senza lo scontro con le idee conservatrici e autoritarie di Creonte…
In questo sistema complesso niente vieta che sia i corinzi sia lei volessero uccidere i bambini; che Giasone intendesse sposare Creusa sia per il potere sia per una forte attrazione erotica; che Creonte fosse in un conflitto lacerante e volesse sia scacciare Medea per non inimicarsi il popolo sia ospitarla per non inimicarsi gli dei. A questo punto, diventa importante la coerenza interna, per cui dal sistema complesso si derivano sistemi semplici e chiusi, documentari su qualcosa che poteva esserci e non c’è stato.
Dal mito alla realtà letteraria delle sue elaborazioni all’acquisizione di possibilità che non risultano contraddittorie nel sistema “mito” che si presenta sempre con varianti locali.

“La Medea” (questo è il titolo) comincia quindi con la morte dei due bambini.
Si assiste poi all’arrivo tardivo di Giasone, che ferma la folla di scalmanati (ma davvero i corinzi intendono uccidere i suoi figli?); all’annuncio della morte di Creusa e del re; al dialogo tra Medea e Giasone; allo scontro con il re; al dialogo tra Creusa e il padre Creonte che sono morti e sentono Medea piangere i bambini uccisi: e siamo così tornati all’inizio che sembrava la fine di ogni cosa ed è invece un eterno ritorno all’atto violento e alla sua insensatezza.
Un itinerario complesso ma scarno, reso semplice e immediato dalla rinuncia alla “letteratura” se non come citazioni da Euripide, Seneca, Klinger, Grillparzer.
I personaggi sono: Medea, Giasone, la nutrice, Creonte, Creusa, i tre narratori, il coro popolare.

I tre narratori.
Come nelle Baccanti dell’anno scorso, sento la necessità di un filtro tra la scena e il pubblico. Per due motivi. Il primo è che il pubblico viene escluso dalla rappresentazione. Essa è un sogno che riguarda solo gli interpreti, racchiusi in una sfera ermetica dalla quale non possono uscire, nella quale nessun altro può entrare.
Vivono un rapporto circolare con la scena, non bidirezionale con il pubblico. Essi non hanno consapevolezza del pubblico, intorno a loro c’è solo buio, la realtà è tutta dentro la sfera della performance.
Un teatro così concepito presenta problemi di comunicazione. Che senso ha aprire le porte al pubblico se poi si nega la sua presenza? È solo una provocazione? Si vuole riaffermarne la necessità mediante la sua esclusione?
Ai narratori è affidata la funzione di mettere a proprio agio il pubblico, riconoscendone l’importanza per l’esito dello spettacolo. Li chiamo narratori, ma sono intrattenitori, semplificatori, mediatori… Soprattutto mediatori. Essi animano, raccordano, spiegano, stimolano la visione critica, aiutano nell’identificazione, ma allo stesso tempo la ostacolano nella prospettiva del teatro epico brechtiano. Un filtro, quindi, anche emotivo, che non concede allo spettatore emozioni troppo facili e sterili. Diventano anche uno spot puntato sulle scena, dove lo straniamento degli interpreti sembra voler gridare: il teatro vero è qui, diverso dal cinema e dalla televisione. Eh, sì, i mediatori, in effetti, sono più “anchormen” che narratori.

Il coro.
All’inizio ho preso in considerazione il coro delle donne di Corinto, ma quando ho ripensato alla scena in cui il popolo dà l’assalto alla casa di Medea per ucciderne i figli, ho percepito la presenza costante e sotterranea dei sudditi, della gente, della folla assiepata intorno al palazzo reale e alla casa di Medea. La sua condizione di straniera, la sua nomea di strega, la sua presenza ingombrante in quanto mina l’autorità di Giasone, prossimo sposo della figlia del re, sono tutti elementi legati agli stereotipi e agli umori incostanti e pericolosi della popolazione. Medea è più che straniera: è incomprensibile nelle sue arti magiche, è lontana in quanto ha sangue divino, è temuta per i suoi poteri, è sospetta per la sua tenacia nel pretendere la fedeltà dell’eroe greco, futuro re, è disprezzata perché ha tradito, è odiata perché percepita superiore.
Se lei se ne va in esilio, tutto è risolto. Ma se i figli rimangono a Corinto… generati da Giasone, non potrebbero nel futuro reclamare il trono? I corinzi rischiano di essere governati un domani dai figli della strega. Si rende, quindi, necessario ucciderli.
Ecco, il quadro prende forma, si fa coerente e stimola ulteriori riflessioni.
Medea si ritrova a combattere una guerra complicata: contro l’uomo che ama e che la ripudia; contro la donna che lui intende sposare per acquistare prestigio; contro il re che non la vuole nel suo regno; contro la gente che non l’assale direttamente e per vigliaccheria tenta invece di ucciderle i figli; contro i figli stessi che preferiscono la sicurezza e l’agiatezza della corte piuttosto che l’esilio denso di incognite e pericoli.
Infine, Medea lotta anche contro se stessa, preda di conflitti: madre o moglie? saggia e pacificante o impulsiva e distruttiva? divina o umana? sulla via del perdono o della vendetta? Troppo forti sono i sentimenti che la tempestano: indignazione, rancore, odio, rabbia, risentimento, ira, paura…
Secondo una variante, Medea è figlia di Ecate, la dea della magia proveniente dalla Tracia dove era venerata come dea madre, seguita da cani ululanti, portatrice di fiaccole, libera di spostarsi dal mondo superiore agli inferi.
I suoi criteri di giudizio non sono delimitati dalle leggi umane, e possono anche esulare da quelle divine, dato che vita e morte sono di sua pertinenza: non ci sono confini per Ecate-Medea. Uccidere i figli? Non è così esecrabile. La vendetta? Doverosa, dato che non è personale, ma riguarda la propria genealogia: Giasone, con il ripudio, offende non solo lei, ma l’essenza stessa della divinità.
La drammaturgia di “La Medea” indirizza verso le sorgenti stesse dell’umanità, verso il rapporto primigenio e fecondo con le forse irrazionali e voraci della natura e dell’animo umano. Essa non si prefigge di elaborare un ritratto “veritiero“, nemmeno di avvicinarsi alla verità. Sarebbe ora di smettere di credere alle verità. Essa raccoglie elementi, li fonde in una coerenza intrinseca, li presenta allo spettatore in due forme: quella suggestiva e insondabile della performance attoriale e quella didattica e animante dei narratori.
L’esito? Aggiungere domande a domande e non aspettarsi risposte, ma solo indicazioni di ricerca: l’indagine apre a ulteriori indagini.

Come realizzare tutto questo sulla scena?
In parte, c’è una visione mentale. Ma tale visione, che è come arrancare in montagna sul sentiero nel bosco senza avere mai la possibilità di scorgere la cima, rimane allo stato larvale. Non voglio una Medea da tavolino, colta e professionale, ma un embrione informe, che potrebbe essere di pesce, mammifero, umano o alieno. Insieme ai ragazzi lo si alleva per farlo diventare la creatura misteriosa che sarà l’opera in scena. I problemi di allestimento sono molti. Sguinzaglierò i tre narratori in mezzo agli spettatori (specchio delle loro curiosità e delle difficoltà di comprensione), oppure li terrò sul palcoscenico? Come realizzare la sfera spazio-temporale nella quale gli attori saranno “rinchiusi”?  E i costumi? E le musiche? E il testo? Vorrei prosciugarlo il più possibile, ma devo tenere conto dell’assoluta impreparazione degli interpreti, ragazzi e bambini senza una scuola attoriale alle spalle, che imparano il teatro facendolo.

In conclusione, questa messa in scena è un laboratorio di teatro sul teatro.

Il laboratorio è condotto con tredici alunni dell’I.C. Verjus di Oleggio, dalla quarta elementare alla seconda media. Gli allievi sono invitati a partecipare anche a un laboratorio di quattro incontri con una psicologa sulla conoscenza e sulla gestione delle emozioni.
Il laboratorio di teatro è affiancato da un laboratorio di SCRITTURA PERFORMATIVA. Ecco la presentazione sul volantino.
Perché scrittura performativa? A volte i ragazzi stentano a visualizzare nella mente oggetti, situazioni, azioni. Con l’aiuto di tecniche teatrali di narrazione e drammatizzazione si affronta e si approfondisce la stesura di un testo sia in prosa sia in poesia (haiku). Dalla grammatica e sintassi teatrale a quella linguistica, dalla realtà visibile a quella invisibile delle parole. Gli allievi leggeranno le loro composizioni nella stessa serata di fine aprile del saggio di teatro.


“Medea” di Euripide, Seneca, Draconzio, Klinger, Grillparzer, Jeffers, Alvaro
Chista Wolf, Medea voci, Edizioni e/o 2001
Publio Ovidio Nasone, Metamorfosi, Einaudi 1994
Publio Ovidio Nasone, Eroidi, Garzanti 2006
Valerio Flacco, L’addio di Medea, Edizioni ETS 2012
Giuseppe Ferraro, Il mito di Medea tra antichi e moderni, Ed. Esselibri 2002
Elena Adriani, Medea fortuna e metamorfosi di un archetipo, Esedra 2006
Giulia Tellini, Storie di Medea, Le Lettere 2012
Giuseppe Micunco, Euripide, Stilo 2012
Umberto Albini, Euripide o dell’invenzione, Garzanti 2000

Davide Susanetti, Euripide fra tragedia mito e filosofia, Carocci 2011